Mecanografía


Por Divandino



Una de las agrupaciones pop en español que mayores suspiros generan al público en toda Latinoamérica, sobre todo a los más adultos, es Mecano. Ese trio que nace a finales de los 70 y que se engancha dentro de una moda musical en la península ibérica conocida como “La Movida”, que fue como la versión española de la onda “New Romantic” en el mercado anglosajón.

Mecano ha sido la banda pop más exitosa en España, que vendió millones de copias de sus discos y que enarboló en sus letras temas que en los lejanos 80 escandalizaban a las sanas conciencias, como la homosexualidad, la prostitución, el SIDA, las drogas y la religión. Fueron víctima de censura en varios países debido a sus letras Su música significó siempre ir un paso adelante de los sonidos de moda, un grupo adelantado a su tiempo en cuanto a su estilo interpretativo e instrumentación.

A muchos les puede o no gustar, pero lo que aportó este trío fue la búsqueda constante de nuevas maneras de expresión, tanto lírica como musicalmente. Tres genios que, en su momento, no fueron entendidos o comprendidos del todo, pues siempre los encasillaron dentro del plato comercial, aunque en realidad su propuesta iba más allá.

Fue en 1981 cuando Mecano saca a la luz su primer éxito, “Hoy No Me Puedo Levantar”, tras la conformación de los hermanos José María y Nacho Cano y la joven Ana Torroja, quien a pesar de no tener mayor formación artística, fue educando esa tersa voz que la caracteriza hasta la actualidad.

El trio español se movió en su primera etapa entre el “New Romantic” y el llamado Synth-pop de aquella época, aunque en una segunda etapa fue más ecléctico y experimentó con géneros tan disímbolos como la salsa, el tango, el jazz y paso doble.

Mientras que José María fue el compositor y el músico más conservador, con mayor profundidad en sus letras, su hermano Nacho fue el que experimentaba, el que utilizaba más los sintetizadores que la guitarra o el piano, el que escribía con sutil ligereza y el que tenía el “hit” en la melodía. En tanto que Ana era la voz y la presencia de un concepto que siempre buscó reinventarse en cada producción o en cada gira.

Mecano grabó seis discos de estudio (Mecano, Dónde Está El País de las Hadas, Ya viene el Sol, Entre el Cielo y el Suelo, Descanso Dominical y Aidalai,  más uno recopilatorio que incluía 6 temas inéditos (Ana/José/Nacho). El disco más exitoso y el que lo consolidó a nivel internacional fue Descanso Dominical (1988), con más de un millón de ventas; incluso fue grabado en italiano y en francés con la inclusión de algunos éxitos anteriores, respectivamente, abriendo el mercado europeo.

Sin embargo, el disco que pegó con tubo en México y el mercado latino fue Entre el Cielo y el Suelo, con el cual iniciaría su segunda y gloriosa época.

Sus temas tienen ese toque entre lo anecdótico y sublime como “Hawai Bombay”, “Ay Que Pesado”, “La Fuerza del Destino” –cuyo video lo protagonizaba una jovencísima Penélope Cruz y novia, en ese entonces, de Nacho- o “El 7 de Septiembre”, sin dejar de mencionar que fueron auténticos hits que le redituaron éxito comercial al grupo y a la disquera –curiosamente, estuvieron en dos disqueras diferentes, que al paso de los años se fusionaron y los derechos discográficos no tuvieron mayor problema-.

Luego de su último disco en 1991, el grupo regresó siete años después con un disco de éxitos que incluía algunas canciones nuevas. Al no alcanzar la misma aceptación y debido a los cambios en sus respectivas prioridades artísticas, Mecano se disuelve de tajo, asomándose el conflicto que mantuvieron a lo largo de su carrera los hermanos Cano, como una especie de “Abel y Caín”; hecho que le significó a Ana la interrupción en la promoción de su disco solista en ese 1998.

Siempre se ha especulado sobre su posible regreso o, al menos, una gira de reencuentro –tal cual lo han realizado muchos grupos pop de la época-, pero nunca se ha concretado. Y suena casi imposible esta posibilidad.

Desde finales de los 90, Ana Torroja mantiene una carrera como solista con mediano éxito, en la que ha compartido giras y discos junto a Miguel Bosé y otros artistas pop; hoy día vive en México junto a su familia, tras sus problemas con el implacable fisco español.

Mientras que Nacho obtuvo su mayor éxito lo con la realización en los nacientes dos miles de los musicales “Hoy No Me Puedo Levantar”, inspirado en las canciones de su ex grupo, y “A”, entre otros discos en solitario –como olvidar el hit “Vivimos Siempre Juntos”- y composiciones por encargo. Actualmente, tiene en Miami una clínica de yoga y se encuentra preparando un musical para estrenarlo en Broadway en el mes de marzo de este 2018.

Por su parte, José María se mantiene actualmente alejado de la música pero mantiene una ascendente carrera dentro de la pintura, bajo el pseudónimo Cano de Andrés; destacan sus obras con técnicas poco ortodoxas pero muy cotizadas en reconocidas galerías europeas.

Fue muy comentado que la última reunión de Mecano con el disco Ana/José/Nacho tuvo como finalidad rescatar económicamente a José María, luego de que produjera una costosa opera (“Luna”) en la que invirtió mucho dinero. Aunado a esto, pocos años después, su divorcio le costó haber estado casi en la ruina, lo cual pudo superar gracias a la pintura.

Más que el grupo, su compañía disquera publicó otro disco recopilatorio en 2009 llamado “Siglo XXI y que incluye un tema inédito. Asimismo, se han editado otros discos recopilatorios y diversos box set con la discografía de los españoles.

En 2011 se publicó un libro homenaje a la agrupación pop, “Los Tesoros de Mecano” de Javier Adrados, con un peculiar contenido basado en fotografía y documentos inéditos, así como entrevistas y conversaciones no muy conocidas. El autor ya había publicado una biografía del trío en 2004 llamado “Mecano: La Fuerza del Destino”.

Mientras no haya reunión alguna, es probable que Ana Torroja interprete alguno de aquellos memorables hits de Mecano en su presentación dentro del festival Cumbre Tajín el próximo mes de marzo de este 2018. Habrá que recordar que la ex vocalista tiene temas propios de muy buena factura, entre los que se encuentran “Como Sueñan las Sirenas”, “A Contratiempo” y “Ya No Te Quiero”.

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EL PALOMAZO
Aquí, algo memorable de una de las mejores agrupaciones pop hispanas:

La música y el séptimo arte


Por Divandino


Hablar del cine en la actualidad es hablar de una simbiosis de elementos que conforman un discurso visual bien estructurado cuya intención y objetivo dramático dependerá de diversos factores. Y uno de ellos es, sin lugar a dudas, la música.

El papel que ha jugado la música en el cine es imprescindible. Desde el cine silente, cuando, durante la proyección de alguna de estas cintas, se invitaban a músicos o a orquestas completas para acompañar el paso de las imágenes, dándole la intención a cada una de las secuencias de la historia, la mayoría de las veces a través de temas improvisados.

Desde la aparición del cine sonoro y aprovechando los avances tecnológicos –pues ya se podía grabar y editar la música- los realizadores, productores o directores,  contrataban ya a músicos reconocidos para adaptar canciones que le dieran sentido e intención a sus creaciones visuales. De ahí que empieza a utilizarse el concepto de música incidental o “score” de las películas.

Aunque es preciso diferenciar entre el “score” y el llamado “soundtrack” o banda sonora. Mientras que el primero se refiere a la composición realizada exclusivamente para una película, la música incidental pues; el segundo, aunque pueda aparecer en diversas secuencias de una cinta, no necesariamente es una composición inédita y puede ser cualquier otro tema comercial o ya grabado con antelación.nnnn﷽﷽﷽﷽﷽﷽ tanto que iamente es lquier cancio , aunque pueda aparecer en diversas secuencias de una cinta, no necesariamente es



Bernard Hermann fue un compositor estadounidense especializado en el arte cinematográfico, ganador de un Oscar  a la mejor música por su trabajo en la cinta “El hombre que vendió su alma” en 1941. Pero es principalmente conocido  por sus colaboraciones con el enigmático Orson Welles, tanto en el “Ciudadano Kane” –calificada por muchos críticos, como la mejor película de todos los tiempos-  y “La Guerra de los Mundos”; así como con Alfred Hitchcock, con quien cosechó sus mejores éxitos (“Vértigo”, “El hombre que sabía demasiado” y Psicosis”).

A lo largo de la historia del Séptimo Arte, han existido compositores icónicos que dejaron huella en muchas cintas clásicas que, al igual que Hermann, jugaron un papel fundamental en el éxito de las mismas. Y, sobre todo, en la identificación de una película con tan solo escuchar los primeros acordes.

John Williams es, quizá uno de los más identificados en cuanto a score se refiere, ya que es el responsable de la música de películas y sagas memorables, como “Star Wars”, “Tiburón”, “Indiana Jones”, “E.T”, “Jurasic Park” y “Superman”, entre muchas otras.

Danny Elfman, es el compositor casi de cabecera del director de cine fantástico Tim Burton y creador de la banda sonora de películas, sobre todo de los últimos 30 años, como “Batman”, “Spider Man”, “Hulk” y “El Planeta de los Simios”; así como el creador del tema de la serie de tv animada “The Simpson”.

Ennio Moricone es el responsable de los acordes de legendarias películas como “Cinema Paradiso”, “La Misión”, y “El Bueno, el Malo y el Feo”, entre otras famosas del género western. Jerry Goldsmith, fue el encargado de musicalizar cintas de ciencia ficción como “Alien El Octavo Pasajero”, “El Planeta de los Simios”, “Star Trek” y, sin mencionar muchas otras, la trilogía de suspenso “La Profecía”.

Y qué decir del extraordinario Nino Rota y su magna creación del tema de “El Padrino” y de filmes legendarios de Federico Fellini como “I Clowns” y “La Strada”. Mientras que James Horner, es el creador de bandas sonoras inolvidables que le dieron vida, por ejemplo, a la multipremiada “Titanic”, así como “Corazón Valiente”, “Casper”, “Star Trek II” y “El Hombre Bicentenario”.

Hans Zimmer, compositor alemán cuya mayor aportación ha sido la mezcla perfecta entre música electrónica y arreglos orquestales. Sus trabajos más importantes se pueden encontrar en filmes como “Thelma y Louise”, “El Caballero de la Noche” –la última trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan-, “El Rey León” y la saga “Piratas del Caribe”, entre muchas otras.

Howard Shore, talentoso compositor que las nuevas generaciones identificarán porque es el creador de la banda sonora de las sagas fílmicas como “El Señor de los Anillos” y “El Silencio de los Inocentes”.

Existen soundtracks tan famososos o más que sus respectivas películas. Ejemplos abundan, pero se pueden destacar compilaciones legendarias como “Saturday Night Fever” “Romeo & Julieta” “El Graduado” –con dos imprescindibles temas de Simon & Gartfunkel: “Mrs. Robinson” y “The Song Of Silence”-, “Purple Rain”, “Pulp Fiction” o “Tiempos Violentos” –reviviendo éxitos funk de los 70-, “Transpotting” o “La Vida en el Abismo” y “A Hard Day’s Nights” –protagonizada y musicalizada por The Beatles-.

Sin embargo, es importante destacar que dentro del Cine Musical –catalogado como un género dentro del séptimo arte- los temas o secuencias musicales se convierten en elemento imprescindible dentro del desarrollo de una historia; los “clímax” en una película se traducen en canciones cuya letra y composición le dan sentido a la ídem.


Podemos mencionar ejemplos muy ilustrativos de este género en varias cintas que han hecho historia, que van de “Mary Poppins”, “Jesucristo Superestrella” y “Vaselina”  a “Flasdance”, “Cabaret” y “Moulin Rouge”. Es una larga lista de películas cuyo eje principal y protagónico es la música.

La imagen y la música son dos elementos indisolubles en el séptimo arte, la mezcla perfecta para alimentar la imaginación y para tocar las fibras más sensibles del espectador.

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EL PALOMAZO
Canciones que remiten irremediablemente a una película: