Chris Cornell, nace otra leyenda del Rock ‘N Roll

LA LIBÉLULA
Por Divandino


Era el año de 1991 y el llamado “Grunge” se apoderaba de MTV y de muchas estaciones de radio, era un naciente sello mercadológico para unos, pero para otros –siento que la mayoría- significó un cambio de conciencia y de irreverencia natural al inicio de la última década del siglo pasado. Sobre todas las cosas, el Grunge era un movimiento musical caracterizado por guitarras distorsionadas y letras que delataban el vació de una generación –la Generación X- que no tenía rumbo ni dirección fijas.

En aquel momento, en el que el hard rock y el glam rock de los 80’s visualizaban chicas, reventones y mucho glamour, nacían bandas que rescatarían la esencia del rock con un buen toque de punk. Eso era el Grunge. Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, Stone Temple Pilots, Candlebox, Mudhoney y Soundgarden, entre muchas otras, marcaron el rumbo del rock e influenciarían a cientos de bandas en todo el mundo rumbo al nuevo milenio.

A pesar de que el Grunge lo han dado por desaparecido, hasta nuestros días lo siguen mencionando y lo han calificado de género maldito. Se llevó a su máximo exponente, al vocalista de “Nirvana” Kurt Cobain en 1994, al vocalista de “Alice In Chains” Layne Staley en 2002, al líder de los “Stone Temple Pilots” Scott Weiland en diciembre del 2015, y el pasado jueves 18 de mayo se llevó a uno más: ni más ni menos que la voz y la presencia de Chris Cornell, originario de la ciudad insigne del género, Seattle, Washington; líder y vocalista de “Soundgarden”, así como integrante de otras bandas como “Temple Of The Dog” y Audioslave.

Christopher John Boyle, mejor conocido simplemente como Chris Cornell, fue encontrado ahorcado en el baño de un hotel de Detroit, tras un concierto que ofreció junto a su banda Soundgarden. De inmediato todo mundo supuso que se había suicidado, ya que tenía el antecedente de haber luchado contra el uso y abuso de drogas, además de haber padecido repetidas crisis de ansiedad y depresión. Sin duda, los tufos mortales del Grunge.

Sin embargo, su esposa Vicky –segunda esposa, precisan los medios norteamericanos, con la que tuvo dos hijos- negó rotundamente que Cornell se hubiese querido quitar la vida, pues gozaba de lucidez y disfrutaba de su vida familiar. Pero, reveló que el rockero tomaba regularmente un medicamente contra la ansiedad, padecimiento que –suponemos- no había superado del todo, y sospecha que pudo haber perdido el juicio al exceder su dosis.  Finalmente, las autoridades determinaron que el suicidio fue la causa del deceso.

Como en toda muerte de estrella del espectáculo, siempre habrá margen para la duda y la especulación; recordemos los casos de Michael Jackson y Prince, por mencionar lo más recientes y que involucran sustancias ilegales y su abuso.

El jueves 18 de mayo, a la par de la muerte de Chris Cornell, se conmemoró el 37 aniversario luctuoso de otra leyenda de la música, del líder de la mítica banda británica Joy Division, Ian Curtis; banda que más tarde se convirtiera en la conocida banda de electro pop New Order. Se trató de algo fortuito, pero que muchos fans lo tomaron como una extraña coincidencia, sobre todo por el hecho de que Ian Curtis también se quitó la vida ahorcándose en su hogar.

Lo cierto y lo destacable es que Chris Cornell le dio presencia, no sólo al Grunge, sino a la imagen del rock contemporáneo: una voz potente, letras fuertes que hablaban de la personalidad, del amor y de la persistente necesidad de expresar los sentimientos más escondidos del ser humano. Es cierto que encabezó sendas bandas como Soundgarden –con la cual dio su último concierto en Detroit -, Audioslave o incluso Temple Of The Dog, junto con otro sobreviviente del Grunge, Eddie Veder de Pearl Jam, pero el sello siempre lo imprimió su voz: rasposa y potente, pero también suave y delirante.

Tuvo una carrera solista bastante aceptable con álbumes como el Euphoria Morning, Carry On, Scream, del cual se desprende la bellísima canción “Can’t Change Me” –de mis favoritas-, así como el disco en vivo Songbook Tour y el último Higher Truth. Grabó temas para soundtracks de películas como Great Expectations (Grandes Esperanzas), Mission 2000 (Misión Imposible II) y de la serie del 007 Casino Royale.

A sus 52 años era considerado un sex-symbol y una referencia clara de lo que es ser rockero, su imagen, su actitud y personalidad. –A veces no comprendemos cómo es que un Iggy Pop, un Ozzy Osbourne, un Steven Tyler o un Mick Jagger siguen vivitos y coleando, si en sus años mozos hicieron y probaron de todo, quizá es cuestión de madurez o de suerte-.

En los días posteriores a su muerte, los homenajes a Chris Cornell no se hicieron esperar.  Red Hot Chili Peppers, Aerosmith, Metallica, el cantante Ryan Adam y U2 recordaron al ícono del grunge durante sus respectivos conciertos. Por ejemplo, Bono de U” dedicó la canción “Running To Stand Still” a Chris Cornell a quien llamó “un león”; Metallica interpretó el clásico de Soundgarden “Black Hole Sun”.

El domingo pasado, durante la entrega de los premios Billboard, el vocalista de la banda Imagine Dragons, Dan Reynolds, recordó a Cornell como un innovador, un arquitecto musical y compositor prolífico, al tiempo de pedir un minuto de silencio. –Hubiese pedido un minuto de aplausos, pero en fin-.

Mientras tanto en la icónica Seattle, los fans del cantante improvisaron en el parque Sound Garden un al altar con flores, velas y un sin número de recuerdos.


Black hole sun
Won't you come
And wash away the rain
Black hole sun
Won't you come
Won't you come (won't you come)
Estribillo del tema “Black Hole Sun”, uno de los temas más famosos de Soundgarden y referencia directa de la voz de Chris Cornell. Y como muchos lo comentaron, a manera de partida sublime o idílica, desapareció en la inmensidad de ese agujero negro en el sol.

El Palomazo
Por aquí les dejo esta liga con las rolas más s exitosas de Chris Cornell

Deambulando en el séptimo arte

LA LIBÉLULA
Por Divandino




 Disfrutar del séptimo arte con propuestas alternativas es un bálsamo ante las malas e insulsas cintas que se encuentran en cartelera comercial, ya ni se diga en la tv que poco a poco pierde adeptos entre el público.

Veracruz es una de las sedes en este 2017 del ya reconocido festival de cine documental “Ambulante”, propuesta que nace como una asociación civil fundada desde el 2005 por los “charolastras” Gael García Bernal y Diego Luna, así como Pablo Cruz y Elena Fortes. Su finalidad es difundir este género fílmico como una herramienta de transformación social y cultural.

Tal vez no sea el caso de Xalapa, en comparación de Coatepec o Boca del Río –que forman parte de la sede en general- el que no haya mucha oferta de exhibición de cine documental. El caso es que Ambulante cuenta con una oferta muy rica y diversa, y viaja precisamente a lugares donde se exhiben pocos trabajos de este tipo.

Dicho sea de paso, el cine documental pretende crear una audiencia más informada, crítica y, sobre todo, más participativa; se ha convertido, poco a poco, en un canal de expresión artística y de labor periodística.

En este festival fílmico anual, además de proyecciones, se organizan talleres, paneles, seminarios, autocinemas y teatro documental. Dentro del festival  Vive Latino, que se realiza año con año en la CDMX, se instala una carpa especial  de Ambulante donde se lleva a cabo la presentación de varios documentales, en su mayoría con temática musical.

Las sedes que albergan esta muestra son los estados de  Baja California, Chihuahua, Ciudad de México, Coahuila, Jalisco, Michoacán, Oaxaca, Puebla, Querétaro y Veracruz.

Como ya se mencionó, en nuestro estado las ciudades de Xalapa, Boca del Río y Coatepec proyectarán lo mejor del cine documental –este año se presenta una retrospectiva del documental latinoamericano-, que se divide en varias categorías como Ambulante Más Allá, que fomenta nuevos talentos y la realización de cine independiente; el Ambulantito, que son documentales y animaciones para niños y adolescentes; y Sonidero, que se especializa en trabajos con un contenido musical.

En esta edición se presentan trabajos excelentes como Hermanos, una pieza que aborda la evolución de la niñez a la adolescencia de dos hermanos durante ocho años de filmación; Pies Ligeros, trabajo que retrata la vida de los corredores rarámuris,  o Bosque de Niebla que trata sobre un grupo de pobladores de una comunidad veracruzana convertidos en defensores de este ecosistema amenazado.

Sin restar importancia a estos y otros documentales de Ambulante, hablemos de los que se presentan dentro de la categoría Sonidero, cuyos trabajos van de Chavela Vargas a The Rolling Stones.
The Beatles: Eight Days a Week. Con material inédito, los integrantes del famoso cuarteto de Liverpool cuentan sus vivencias entre los años 1962 y 1966, época en que abandonaron las giras pero que registraron más de 800 tocadas. Es un documental dirigido por el ganador del Oscar, Ron Howard, y que inicia con el momento histórico cuando The Beatles se presentan en el programa de tv de Ed Sullivan.

Día de la Independencia –y no, no tiene nada que ver con aliens ni Will Smith- Este documental sigue la increíble historia detrás del concierto en Pyongyang de la banda eslovena de música industrial Laibach, para celebrar el Día de la Independencia de la hermética Corea del Norte.

Chavela. Es una entrevista nunca antes vista, realizada 20 años antes de su muerte en 2012, y guiada por las historias de sus canciones; retrata a la mujer que se atrevió a vivir sin tapujos y como quiso.

Leonard Cohen: Bird on a Wire. Una buena oportunidad de ver al legendario cantante y poeta canadiense en sus años mozos, a través de esta película de culto que revive la legendaria gira europea de 1972 y que, en su momento, fue despreciada por el mismo Leonard Cohen y abandonada en un almacén de Hollywood.

Austin City Limits: una canción para ti. Austin City Limits es el nombre de uno de los programas de televisión más viejos, con muchísima tradición en Norteamérica. El documental retrata el backstage a 40 años de buena música desde este programa, con figuras que van de Willie Nelson a Radiohead.

Strike a Pose. Una serie de testimoniales de siete bailarines de la selección que hiciera Madonna en 1990 para que la acompañaran en su tour más controversial, cuentan qué tan difícil fue cargar con la bandera gay en aquellos años.

The Rolling Stones Olé Olé Olé!: A Trip Across Latin America. Su nombre lo dice todo, es el cierre de su gira de 2016 por toda Latinoamérica que se llevó a cabo, con todas las vicisitudes de la plaza, en La Habana, Cuba.

Además de estos documentales, hay otros más quedan un vistazo a géneros menos explorados como el flamenco o la música africana, tal es el caso de La Chana, Omega y Fonko. También está Oasis: Supersonic, que relata la historia de esta legendaria banda británica, o Nick Cave and the Band Seeds, que es un testimonio sobre el duelo del propio Cave ante la muerte de su hijo; así como trabajos que retratan la vida de una banda de hip hop, en Esto es lo que hay, y la historia del colectivo creado por el chelista Yo-Yo Ma en La música de los extraños: Yo-Yo Ma y el Silk Road Ensemble.

Y, aunque este no está dentro dela categoría Sonidero, es necesario mencionarlo. Es el caso de Hasta la Raíz, documental que relata el día a día, desde una mirada íntima, en torno a la realización del sexto álbum de la coatepecana Natalia Lafourcade.

Hasta el momento, Ambulante es el festival de mayor alcance en todo México, es sólo de exhibición y no de competencia; el 60 por ciento de su programación es gratuita, pues las funciones que tienen costo son las que se llevan a cabo en salas comerciales.

Así que, del 18 al 25 de mayo, tienen de manera accesible un foro fílmico de gran calidad, con trabajos artísticos que reflejan nuestra cotidianeidad, que es el alma del documental. Y para los melómanos, tienen a su alcance una revisión musical de estilos y géneros, de voces y relatos, de bandas y cantantes.

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EL PALOMAZO
Todas las funciones y actividades son gratuitas, excepto en conocida cadena de cine comercial cuya entrada es de 40 pesitos, precio módico.

Por aquí les dejo unos links donde pueden checar más información acerca de Ambulante:

Y aquí pueden descargar el calendario para la sede Veracruz:

Jean Michel Jarre, pionero de la electrónica

LA LIBÉLULA
Por Divandino

Jean Michel Jarre, pionero de la electrónica

Es verdad que la música brinda un estado sensorial a la humanidad y que también es un momento lúdico necesario para el organismo, según la opinión de un buen amigo médico. Y si es música electrónica a lo mejor podrían pensar solo en el “punchis punchis”, pero nada que ver; la música electrónica va más allá de una secuencia insulsa de beats creados, muchas veces,  por “no músicos”.

La historia de la música electrónica es tan basta como la música popular en general. Como cualquier otro invento de finales del siglo XIX y principios del XX, surgió como resultado de la experimentación y la búsqueda de objetos que facilitaran la vida, pero aquí se buscaban sonidos alternos a los creados por instrumentos
físicos. Diversos artefactos fueron construidos para generar ambientes sonoros, armónicos para el oído humano.

A mediados de los años 60 del siglo pasado fue que aquellos experimentos empiezan a tener frutos con la invención del primer sintetizador o del órgano moog. Una década después, ya un poco más popularizados estos instrumentos, figuras de la talla de Tangerine Dream o de bandas de rock progresivo como Pink Floyd, Yes o Emerson Lake & Palmer, empiezan a introducir sonidos sintéticos y generados de manera artificial.

Alemania y Francia han figurado como pioneros de la música electrónica, ejemplos sobran para demostrarlo. Krafwerk, de Alemania, y de Francia Jean Michel Jarré, son –digamos- los ejemplos vivientes de la evolución de la música electrónica hasta nuestros días, dicho como un género por sí solo.

Jean Michel Jarré, compositor y músico originario de Lyon, Francia, es casi un patrimonio mundial de la música. Sus creaciones sonoras, sus conciertos multitudinarios cuya mística especial le dan singularidad en todo el mundo, lo han convertido en un representante de la música global y activista en pro del planeta.

En los ochenta era muy común que las cortinillas de los noticieros o programas de radio y televisión contaran con algún segmento de alguna pieza del músico francés, sobre todo en México donde el plagio en aquellos años no era tan castigado. –Recordemos el programa Usted Qué Opina con Nino Canún, que contaba con la Parte 4 del Chronology; o mejor aún, el noticiero de Grupo FM en Veracruz Puerto, que contaba con la Parte 5 del Equinoxe y la Parte 2 del Magnetic Field-

Tras un primer trabajo no muy conocido y con la vena musical que mostró desde pequeño, en 1976 crea su obra icónica,  Oxygene, material que rompió con los mitos en torno a que los sintetizadores no eran instrumentos y que, por ende, la música electrónica no era propiamente creación artística. Dos años después, el disco Equinoxe y sus altas ventas lo consagran como artista de avanzada.



Les Chants Magnetiques  o Campos Magnéticos logran posicionar la carrera de Jarre a la altura de grandes figuras del jazz o de la música clásica. Además contribuyó en su país para la recaudación de fondos estatales para músicos franceses con el material Música de Supermercado, cuya copia única fue subastada.

Jean Michel Jarre tiene en su haber tres Récord Guinness. Uno, por conjuntar en su disco Zoolook una cantidad enorme de frases y sonidos de diversas lenguas y dialectos, los otros fueron por reunir a más de un millón de personas en un concierto de la NASA en Texas y otro en la famosa Plaza de La Concordia en París, respectivamente.

Sus megaconciertos han sido memorables, desde los realizados en su natal Francia, hasta los realizados en Rusia, China y Egipto, recitales en los que ha incluido los rasgos étnicos, instrumentos y figuras del sitio en cuestión. Se menciona, incluso, que en 1991 estaba previsto un gran concierto en la zona arqueológica de Teotihuacan, en México, con motivo del eclipse solar de aquel año, evento que no se realizó. Qué decir de los multitudinarios conciertos para recibir el nuevo milenio cerca de las pirámides de Egipto y en Okinawa, Japón.

Jean Michel Jarre, además de músico, ha sido un activista social pues ha organizado conciertos altruistas en varias ciudades del mundo, hecho que le valió ser nombrado por la UNESCO Embajador de Buena Voluntad.

Su discografía es amplia, como algunos de los discos que ya hemos mencionado, pero vale la pena destacar producciones de estudio como Revolutions de 1988 y el Waiting For Cousteau de 1990, inspirado en fabuloso mundo del oceanógrafo Jacques-Yves Costeau –tiempo después musicalizó un documental de su coterráneo-. También se encuentra el Chronology de 1994, el Oxygene –en sus piezas 7 a la 13; el Aero de 2004, contando con un sofisticado sistema de grabación hasta entonces.

El artista galo ha contado, para sus diversos proyectos de estudio o en vivo, con la colaboración de un sin número de músicos y cantantes de diversos géneros; también ha musicalizado diversas películas, documentales, performance e incluso promocionales para la televisión francesa.

Ya en la segunda década de los 2 mil, saca a la luz un álbum doble que acerca a las nuevas generaciones al fascinante mundo de la música electrónica. Una selecta compilación de grupos y artistas que sintetizan la historia de cuatro décadas evolutivas del género.  “Electrónica 1 The Time Machine” & “Electrónica 2 The Heart Of Noise”  cuenta con piezas de Jarre con participaciones que van de Moby, Air, Robert Naja (Massive Attack) y Armin Van Buuren a Pete Townshend, Gary Numan y Tangerine Dream, entre otros.

En 2013 Jarre es electo como presidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores –CISAC por sus siglas en inglés-, es decir, representa a todas las disciplinas artísticas (música, cine, artes visuales, teatro y literatura). Como lo menciona su sitio en internet, es “la voz de casi 3 millones de creadores alrededor del mundo”.

Aunque salió a la venta el fin de año pasado, celebrando el 40 aniversario de su álbum debut, sigue promocionando su disco Oxigene 3, que completa de alguna manera la trilogía de un sonido muy característico de la música popular contemporánea.

Jean Michel Jarre se encuentra realizando un extensa gira por diversas partes de Europa y Norteamérica, desafortunadamente no contempla México. El pasado 29 de abril la televisión española (TVE) transmitió el concierto The Connection Concert, un espectáculo inaugural desde el  Monasterio de Santo Toribio de Liébana –conmemorando el Año Santo Lebaniego-, donde el mítico artista interpretó lo mejor de su discografía, acompañado de un gran set multimedia, destacando nuevos arreglos y piezas de sus últimas producciones en estudio.

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EL PALOMAZO
Por aquí les paso unos links con algunos videos del músico galo:

Oxigene Pt. 4:

Magnetic Fields, Pt. 2:

Chronology, Pt.4:

Stardust (Feat. Armin Van Buuren):

The Connection Concert :